Programa 24 de l’Auditori de Barcelona: Gerhard “collages”

Robert Gerhard (Valls, 1896 – Cambridge, 1970)

Biopic: Compositor español. Es uno de los más notables representantes de la Generación musical del 27 y fue él quien introdujo el dodecafonismo y las teorías de la Segunda Escuela de Viena en España.
De padre suizo y madre alsaciana, Gerhard siempre dirigió su mirada hacia la música germánica, combinándola acertadamente con los ritmos y melodías del folclore de su Cataluña natal. A los doce años de edad se trasladó a Lausanne (Suiza) para estudiar comercio obligado por su padre, pero a los diecisiete años decidió dedicarse de lleno a la música y para ello viajó a Múnich, en cuyo conservatorio (Musikhochschule) se matriculó en 1913.
Poco después estalló la Primera Guerra Mundial y Gerhard tuvo que volver a Cataluña. Una vez en Barcelona se inscribió en las clases de piano de Enric Granados y, tras la muerte de éste, ocurrida en 1916, continuó recibiendo lecciones de Frank Marshall. Así mismo, comenzó a estudiar composición con Felip Pedrell, que había sido maestro de Albéniz, Falla y Granados y defendía la simbiosis de las raíces musicales españolas con la metodología de la tradición sinfónica europea. La influencia de Pedrell fue crucial para la carrera compositiva de Gerhard, quien en aquella época fue asistente del folclorista Joan Amadés y cultivó una buena amistad con Manuel de Falla, al que admiraba profundamente.
Durante su periodo de formación en Barcelona compuso dos obras vocales destacables: el ciclo de canciones basado en poemas de Josep María López Picó, gran amigo del compositor, y L´infantament meravellós de Schahrazada, dedicado a la soprano Conchita Badía. Esta última obra utiliza profusamente el cromatismo y posee sonoridades de las músicas alemana y rusa de las primeras décadas del siglo XX, lo cual era realmente innovador para la música española de la época, más cercana a la tradición francesa. En su Trío con Piano de 1918, Gerhard se acerca más a los lenguajes de Ravel y Debussy, conjugando dicha influencia con aspectos del folclore peninsular.
En 1920 concluyó sus estudios con Pedrell y continuó componiendo obras como Dos Apunts para piano o Sept Haiku para voz y ensemble en un estilo cercano al serialismo. En 1923 fue aceptado en las clases de composición de Arnold Schoenberg en Viena, ciudad donde conoció a la que más tarde se convertiría en su esposa, Leopoldina Feichtegger. En 1925 se trasladó a Berlín junto a su maestro, del que ya había llegado a ser asistente, y continuó su formación con él.
Sus obras de este período muestran las influencias de Schoenberg en aspectos como la claridad en la forma, lo complejo de la textura contrapuntística y la concisión formal. Estas características se pueden escuchar tanto en su Quinteto de Viento como en el Concertino para Cuerdas, si bien poco tiempo después, al regresar a Barcelona, compuso una obra de raíces claramente nacionalistas: las Catorce canciones populares de Cataluña.
En 1930 se celebró su boda con Leopoldina en Barcelona. Al año siguiente Gerhard obtuvo un puesto de profesor de música en la Escola Normal de la Generalitat de Catalunya y pasó a encargarse del departamento de música de la Biblioteca de Catalunya. Ese mismo año, en 1931, Schoenberg y su esposa se trasladaron a la capital catalana durante ocho meses invitados por los Gerhard. Allí Schoenberg tuvo la oportunidad de dirigir sus obras con la orquesta de Pau Casals y compuso la partitura de Moises y Aaron.
En 1936, y gracias al empeño de Gerhard, tuvo lugar en Barcelona el XVI festival de la Sociedad Internacional de Música Contemporánea. En el marco de dicho evento se estrenó el Concierto para Violín de Alban Berg y el ballet del propio Gerhard titulado Ariel, sobre textos de Josep Vicenç Foix basados en La Tempestad de Shakespeare, así como en ciertas imágenes folclóricas catalanas. Pocos meses después del estreno de Ariel, Gerhard se centró en la composición de otro ballet basado en danzas folclóricas de Cataluña que se estrenó en forma de suite en 1972. Su título provisional fue Soirées de Barcelone y en él se dejan ver influencias tanto de Stravinsky como de Bartok.
Si el compositor catalán Roberto Gerhard hubiese seguido el mismo sendero del exilio que tomaron casi todos sus compañeros de generación, es decir, México, Argentina y demás comunidades americanas, su música posterior a 1939 hubiese estado marcada por otros patrones estéticos más próximos a la tradición hispana, como ocurrió con la mayoría de sus coetáneos, pero su destino fue Cambridge y, en definitiva, el Reino Unido, lugar que le facilitó un permanente contacto con las tendencias europeas de la época.

Sinfonía n º 3 (collages) (1960)
Los últimos diez años de la obra de Gerhard están marcados por una evolución en sus técnicas compositivas cuyo fruto se deja ver en las obras de este periodo, todas ellas de un solo movimiento polimórfico. Las numerosas composiciones de esta última década comienzan con su Sinfonía nº 3 “Collages”, que data de 1960. En ella sólo hay un movimiento que se divide en siete secciones en las que intenta reflejar las experiencias vividas en sus viajes al continente americano. En la cuarta sección, Gerhard utiliza la electrónica para crear distintos efectos
La Tercera Sinfonía fue encargada por la Fundación Koussevitzky y dedicada a la memoria de Serge Koussevitzky y Natalie. Recibió su primera actuación el 8 de febrero de 1961 en el Royal Festival Hall por la Orquesta Sinfónica de la BBC con Rodolfo Schwartz. El pliego de la BBC también se registra en la grabación de EMI con el director Frederik Prausnitz en un largo eliminado LP (TEA 2427). La obra está escrita para dos flautas (flautines doble), piccolo, 3 oboes, 3 clarinetes en, 2 fagotes, 1 contrafagot, 4 trompas, 3 trompetas en Do, 2 trombones, trombón bajo, tuba, timbales, arpa, piano, cinta electrónica, cuerdas y una gran sección de percusión: platillos grandes suspendidos, 3 TomToms Chino (grande, mediano, pequeño), platillo de gran antigüedad, maracas, tambor lateral, bloques de madera (grande y pequeño), un bombo (dos jugadores); xilo-Rimba, glockenspiel (tres jugadores), vibráfono (cuatro jugadores), marimba (cinco jugadores).
El trabajo abarca el periodo de un día desde el amanecer a la oscuridad de la noche y se lanza en siete secciones continuas que contrastan en el diseño, la textura, ritmo y humor. El subtítulo “collages” se refiere al papel destacado, ya en una cinta electrónica que suena junto a los “musicales” sonidos de la orquesta. Los sonidos de la cinta son indeterminados y varían en intensidad, produciendo una combinación única de música y de “ruido” controlado que, según el compositor, era “una apuesta, una aventura hacia lo desconocido”. La idea original de la obra ocurrió mientras Gerhard estaba en un vuelo de regreso de América y volando a 30.000 pies sobre la costa de Irlanda, cuando vio la salida del sol “como si fuera la explosión de 10.000 trompetas”. Esta imagen excepcional desató la imaginación del compositor y la idea de viajar en un avión sugirió el uso de cinta electrónica (los primeros sonidos de la cinta al comienzo de la sinfonía en realidad suenan como un avión).
El primer movimiento es un Allegro moderato, que describe la imagen del sol naciente por el uso de una explosión de apertura de tres trompetas al unísono. Una serie de acordes construido a partir de las notas individuales extendidas por toda la gran orquesta crea un sentimiento de esperanza y abre amplias vistas del “exterior”, siguiendo el estilo de Aaron Copland. Los grandes saltos en la sección de cuerdas se hacen eco en el viento de madera y la sección muere en un acorde de pianos triples.
A continuación el Lento sugiere el aterrizaje del avión bajando a la tierra. En esta sección también se representa el mundo de la vida vegetal en toda su variedad. Comienza en un fortísimo arpegiado, en el que la figuran los primeros violines sobre un acorde fuerte del piano. Pronto una figura ostinato se configura en marimba, acompañado por el piano, xilo-Rimba y los primeros violines. Un ostinato marimba lleva directamente a la siguiente sección.
El Allegro con brio es la sección más extendida en la sinfonía. Representa el “mundo del hombre, en su oscuro mediodía, con su desesperación, su rabia, su piedad, su derrota”. La naturaleza de la música es violenta e inquieta al chocar con los compases armónicos de los timbales, golpes metálicos de la lira y del piano y los furiosos pizzicatos de las cuerdas. Una sección más tranquila en la figura 11, recuerda el estado de ánimo de la apertura de la sinfonía, pero se interrumpe y se produce un gran clímax. A continación nos encontramos un pasaje marcado “constante”-como si se iniciara una secuencia de una máquina en la que las cadenas pizzicato, staccato de viento de madera, latón, percusión y piano se agotan como en una grotesca procesión. Después de otra pausa y de una cadencia similar a la secuencia anterior, una serie de crescendos presagia la sección central Moderato.
Esta sección es la única que evita el uso de una música de fondo electrónica. Su objetivo es representar lo que sucede en la mente de alguien que ha perdido la conciencia. A partir del piano, la sección consiste en una serie de acordes delicados construidos a partir de notas muy espaciadas a lo largo de la paleta orquestal. Sobre la base de Schoenberg “Klangfarbenmelodie” (o la melodía sin fin) que es infinitamente el tema común entre los diferentes instrumentos de producción de una serie que caleidoscópicamente va cambiando de colores, este pasaje es hipnótico y bello, ofrece una sensación de acogida aún en medio de la sinfonía.
Después se continúa con un Vivace, se trata de una especie de un anestésico que puede provocar una sensación de mareo al oyente-espectador. Detrás de esta sección aparece una especie de fantasma, que toma cuerpo como la memoria de un ritmo de baile español, así como el espectro de un vals vienés, bien diferenciado de “La Valse” de Ravel. Tal vez no sea demasiado irrisorio imaginar que la inconsciencia mostrada en el movimiento anterior sirviera para representar al propio compositor cuando llegó a Inglaterra como un exiliado. El “venir a” podría considerarse como la nostalgia de su patria (la primera pieza que comenzó a trabajar en cuando se estableció en Gran Bretaña era “Don Quijote”, una de sus más “Españolas” composiciones). En cualquier caso, el uso de ritmos latinos en una obra, que por lo demás es tan abstracta, es muy llamativo y le da a esta sección un sabor único de recuperación después de la inmovilización de los últimos Moderatos.
El siguiente Allegretto recuerda la música y los eventos de la segunda sección del Lento. Gerhard está aquí imaginado como se encienden las luces en ciudades tan distantes y hay una sensación de “haber llegado a su” sentimiento de la sección. Es el centro, que incluye una especie de “cadencia” para cinta electrónica que siempre ha sonado, junto con la orquesta hasta el momento. Poco a poco, la orquesta se vuelve a montar y se prepara para la celebración de la Calma.
Esta última sección se transmite en la quietud de la noche. El estado de ánimo objetivo de gran parte del trabajo se convierte en algo más subjetivo.
Actualmente hay dos versiones en CD a disposición de este trabajo. Uno cuenta con la Orquesta Sinfónica de Tenerife con Víctor Pablo Pérez como director. Se trata del mismo director que dirigirá la obra en el Auditori. Tenemos otra grabación de la Orquesta Sinfónica de la BBC dirigida por Matthias Bamert editada por Chandos.

Comments
2 Responses to “Programa 24 de l’Auditori de Barcelona: Gerhard “collages””
  1. Em sembla curiòs, però alhora estimulant que l’Auditori de Barcelona, programi en un mateix programa, peces de Beethoven, l’últim clàssic i pare del primer romanticisme, amb Mendelssohn i la seva simfonia italiana peça romàntica però d’un aire més conservador i clàssic. Fins aquí tot sembla correcte. El sorprenent és que dins del mateix programa, s’inclogui la simfonia nº 3 de Gerhard, que dona títol al programa. Gerhard, va ser deixeble i seguidor de Shoenberg en el dodecafonisme i la música atonal. Podem dir que en el seu “collages” de l’any 1960, Gerhard, com altres autors com Stockhausen, ja van més enllà d’aquesta ruptura tonal, introduint cintes electròniques dins de l’orquesta. Suposo que l’Auditori al anomenar “collages” a aquest programa, ens vol mostrar la música d’aquest autors tant diferents entre sí, especialment Gerhard com un “collage” d’experiències musicals, emocionals i sensitives.

  2. Have good content on the blog, I congratulate you. I will keep coming occasionally to view updates, since I see that the post is old. kisses

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